Wahrscheinlich kennt fast jeder von uns einen Zustand, in dem etwas mit uns geschieht, wir aber nicht verstehen können, warum. Man kann ihn unterschiedlich beschreiben: „Ich bin ängstlich“, „Ich bin wütend“, „Mir geht es schlecht“, doch offensichtlich ist es nicht so einfach. Dahinter können Angst, Kränkung, Gereiztheit oder Verwirrung stehen — manchmal mehrere unterschiedliche Gefühle oder sogar alle zugleich, und in dieser Vielzahl den Überblick zu finden, ist nicht leicht.

Manchmal ist es viel einfacher, den eigenen Zustand nicht in Worte fassen zu wollen, sondern zu versuchen, ihn darzustellen. Das kann ein wirres Knäuel aus Linien sein, ein dunkler Fleck, eine seltsame Form oder eine Kombination verschiedener Farben, die man aus irgendeinem Grund gemeinsam verwenden möchte. Schön zeichnen zu können, ist dabei überhaupt nicht wichtig: Entscheidend ist nicht das Ergebnis, sondern die Möglichkeit, etwas auszudrücken, für das die Worte fehlen.

Auf dieser einfachen Idee beruht eine der Richtungen der Kunsttherapie — die Arbeit mit Zeichnungen. Doch wie kamen Psychologen überhaupt auf die Idee, einen kreativen visuellen Ansatz einzusetzen, um Menschen zu helfen, und wer bezeichnete einen solchen Ansatz erstmals als Kunsttherapie? Die Methode hat eine interessante Geschichte...

Die Geschichte der Kunsttherapie begann weder mit einem psychologischen Experiment noch im Behandlungszimmer eines Psychotherapeuten. Einer derjenigen, denen diese Bezeichnung zu verdanken ist, war der britische Künstler Adrian Hill (Adrian Keith Graham Hill). 1938 erkrankte er an Tuberkulose und musste sich für längere Zeit in einem Sanatorium behandeln lassen. Damals konnte eine solche Behandlung Monate dauern, und die Patienten mussten einen großen Teil ihrer Zeit im Bett verbringen. Hill begann zu zeichnen, was er um sich herum sah. Nach und nach erkannte er, dass ihm diese Beschäftigung nicht nur half, die Zeit zu vertreiben. Beim Zeichnen fiel es leichter, sich von der Krankheit und beunruhigenden Gedanken abzulenken und der Eintönigkeit des Krankenhausalltags zu entkommen.

Später begann Hill auch mit anderen Menschen zu zeichnen. Dabei interessierte ihn weniger der Unterricht in Malerei als der Zustand, der bei den Menschen während der kreativen Arbeit entstand. Wer lange im Krankenhaus lag, konnte zumindest für eine Weile aufhören, sich ausschließlich als krank zu erleben, und sich mit etwas beschäftigen, das Aufmerksamkeit, Vorstellungskraft und eigene Entscheidungen erforderte. Hill war zunehmend überzeugt, dass Kunst eine gewisse Rolle bei der Genesung spielen kann. 1942 schlug er für diese Form kreativer Arbeit die Bezeichnung Kunsttherapie (art therapy) vor.

Es wäre jedoch falsch zu behaupten, dass die Kunsttherapie von nur einem einzigen Menschen erfunden wurde. Etwa zur gleichen Zeit wurden ähnliche Ideen auch in den USA aktiv weiterentwickelt, allerdings mit einem etwas anderen Ansatz. Eine der wichtigsten Persönlichkeiten war die Psychologin und Pädagogin Margaret Naumburg. Sie interessierte sich vor allem für die Möglichkeit, in einer Zeichnung etwas auszudrücken, das sich nur schwer oder gar nicht in Worte fassen lässt.

Naumburg betrachtete spontane Zeichnungen nahezu als eine besondere visuelle Sprache. Sie ermutigte Klienten, frei zu zeichnen, ohne zu versuchen, das Bild richtig oder schön zu gestalten, und anschließend darüber nachzudenken, was entstanden war und welche Assoziationen es auslöste. Wichtig war nicht, dass der Psychologe das Bild um jeden Preis „entschlüsseln“ sollte, sondern welche Bedeutung die Person selbst darin entdeckte, die es geschaffen hatte. Die Zeichnung wurde zu einem Weg, Erlebnisse, innere Konflikte und Erinnerungen zu erreichen, die sich nur schwer sprachlich erklären ließen.

Später hatte eine weitere Künstlerin und Kunsttherapeutin großen Einfluss auf die Entwicklung dieses Bereichs: Edith Kramer. Hier zeigte sich ein interessanter Unterschied, der gut erklärt, warum Kunsttherapie viel mehr wurde als die bloße Interpretation von Zeichnungen. In Naumburgs Ansatz unterstützte das Bild vor allem die psychotherapeutische Arbeit — über das Bild konnte man zu Erlebnissen gelangen und anschließend darüber sprechen —, während Kramer den Wert des kreativen Prozesses selbst deutlich stärker hervorhob. Für sie war bereits wichtig, was mit uns geschieht, während wir zeichnen, modellieren, Material auswählen, das Bild verändern und unseren inneren Zustand nach und nach in eine visuelle Form verwandeln, die wir mit eigenen Händen geschaffen haben.

So entstanden zwei nahe beieinanderliegende, aber etwas unterschiedliche Sichtweisen auf den Prozess. Im einen Fall wird Kunst zu einer Art Brücke zum Gespräch über die innere Welt, im anderen wird der kreative Prozess selbst als Teil der Therapie betrachtet. Mit der Zeit entwickelten sich diese Ideen gemeinsam weiter und wurden zu einem eigenständigen Fachgebiet. Kunsttherapie ging allmählich über einzelne Krankenhäuser und die Experimente von Enthusiasten hinaus; Berufsverbände, Ausbildungsprogramme und zahlreiche unterschiedliche Arbeitsmethoden entstanden.

Doch hier stellt sich die nächste, vielleicht interessanteste Frage. Warum können ein paar Linien auf Papier, Farbflecken oder ein gezeichnetes Bild überhaupt dabei helfen, innere Erlebnisse besser zu verstehen? Schauen wir uns nun an, was mit uns geschieht, wenn ein innerer Zustand Form und Farbe annimmt und auf einem Blatt Papier vor uns erscheint.

Wie bereits gesagt, lässt sich ein innerer Zustand manchmal nur schwer in Worte fassen oder überhaupt selbst verstehen. Die Ursachen unserer Angst, Anspannung oder Gereiztheit können verschwommen und unklar bleiben. Ein inneres Erleben kann sich wie ein schwerer Klumpen anfühlen, den man nicht loswird.

Eine Zeichnung ermöglicht in diesem Sinne etwas recht Einfaches und zugleich Wichtiges — einen Teil eines unerklärlichen Erlebens nach außen zu bringen. Was zuvor nur als Empfindung vorhanden war, erhält auf dem Papier Form, Konturen und Farben. Angst kann sich zum Beispiel in ein wirres Linienknäuel verwandeln, Einsamkeit in eine kleine Figur mitten in einem großen leeren Raum und starke innere Anspannung in ein schwer verständliches abstraktes Bild. Manchmal möchte man einfach das ganze Blatt schraffieren und den Stift immer wieder vor- und zurückbewegen.

Wenn das Erleben vor unseren Augen liegt, können wir es von außen betrachten. Wir können bemerken, wie groß das beunruhigende Bild ist, wo wir uns im Verhältnis zu anderen Figuren oder Bildern platzieren, welche Farben wir gewählt haben, was wir verbergen wollten und was wir dagegen in den Vordergrund gerückt haben.

Manche Details können sogar den Urheber der Zeichnung selbst überraschen. Wenn wir beispielsweise eine Konfliktsituation darstellen, bemerken wir vielleicht, dass wir uns weit entfernt von den anderen gezeichnet, eine Figur deutlich größer als eine andere dargestellt oder ein Hindernis zwischen sie gesetzt haben. Für sich allein beweist das noch nichts, doch es gibt Anlass nachzudenken: Warum haben wir alles gerade so dargestellt, und was bedeutet das persönlich für uns?

Hier kann man jedoch sehr leicht in eine Falle geraten und die Zeichnung wie eine Ansammlung geheimer Zeichen behandeln, die der Psychologe richtig entschlüsseln müsse. So funktioniert Kunsttherapie überhaupt nicht! Man kann nicht im Voraus sicher behaupten, Rot bedeute immer Aggression, ein Baum habe zwangsläufig mit den Eltern zu tun oder eine kleine Tür weise auf irgendein psychologisches Problem hin.

Dasselbe Bild kann für verschiedene Menschen völlig unterschiedliche Bedeutungen haben. Für den einen ist Schwarz mit Angst verbunden, für den anderen mit Ruhe, für einen dritten ist es einfach die Lieblingsfarbe. Selbst derselbe Mensch kann denselben Bildern in verschiedenen Lebensphasen ganz unterschiedliche Bedeutungen geben.

Deshalb ist in der Kunsttherapie nicht die Frage „Was bedeutet dieses Symbol?“ am wichtigsten, sondern ganz andere Fragen: „Was bedeutet es gerade für mich?“, „Warum wollte ich es genau so zeichnen?“, „Was fühle ich, wenn ich diese Zeichnung betrachte?“, „Möchte ich etwas daran verändern?“

Hier verläuft eine wichtige Grenze zwischen Kunsttherapie und den zahlreichen Internettests nach dem Muster „Zeichnen Sie ein Haus, einen Baum oder einen Menschen — und wir erzählen Ihnen alles über Sie“. In der Kunsttherapie liefert eine Zeichnung keine fertige Diagnose und enthüllt nicht automatisch irgendeine verborgene Wahrheit. Sie schafft vielmehr die Möglichkeit, die eigenen Erlebnisse genauer anzuschauen und über Dinge nachzudenken, die sich nur schwer bemerken oder in Worte fassen lassen.

Eine der ersten Fragen, die bei der Erwähnung von Kunsttherapie durch Zeichnen meist auftaucht, lautet: „Was soll ich tun, wenn ich überhaupt nicht zeichnen kann?“ Ehrlich gesagt spielt das fast keine Rolle. In einer Sitzung wird niemand beurteilen, wie korrekt wir einen Menschen dargestellt haben, ob das gezeichnete Haus wie ein echtes aussieht oder ob wir mit Perspektive umgehen können. Nein, hier erfüllt die Zeichnung einen anderen Zweck.

Die Sitzung selbst kann auf ganz unterschiedliche und überraschende Weise gestaltet sein. Manchmal schlägt der Psychologe ein konkretes Thema vor, manchmal mehrere Möglichkeiten zur Auswahl, und manchmal bittet er einfach darum, Bleistifte, Filzstifte oder Farben zu nehmen und das zu zeichnen, was sich in diesem Moment richtig anfühlt.

Eine der einfachsten Aufgaben besteht zum Beispiel darin, den eigenen aktuellen Zustand darzustellen. Dabei muss man sich keineswegs selbst zeichnen. Man kann einige Farben wählen, Linien ziehen, Formen zeichnen oder das Blatt mit Flecken beliebiger Größe füllen. Innere Anspannung und gedankliches Durcheinander können sich auf dem Papier in ein dichtes Knäuel sich kreuzender Linien verwandeln. Bei Müdigkeit können leere Flächen, matte Farben oder kaum sichtbare Striche auftauchen. Vorgegebene Regeln gibt es jedoch nicht: Jeder stellt seine innere Welt auf seine eigene Weise dar.

Eine andere Aufgabe könnte darin bestehen, Angst, Furcht, Wut oder ein anderes starkes Erleben zu zeichnen. Der Psychologe kann vorschlagen, sich vorzustellen, wie es aussehen würde, wenn es Form, Größe und Farbe hätte. Wo würde es sich auf dem Blatt befinden? Wäre es riesig oder klein? Hätte es klare Grenzen oder würde es in verschiedene Richtungen zerfließen? Schon die Suche nach einem Bild bringt uns dazu, darüber nachzudenken, was wir fühlen.

Manchmal wird vorgeschlagen, einen sicheren Ort zu zeichnen — real oder erfunden. Das kann das Elternhaus aus der Kindheit sein, ein Meeresufer, ein Wald, ein Zimmer mit geschlossener Tür oder ein fantastischer Ort, der in Wirklichkeit nicht existiert. Nach dem Zeichnen kann man besprechen, was diesen Ort sicher machen könnte, wer sich in seiner Nähe befinden könnte, was dort nicht sein sollte und was man gern hinzufügen würde. Diese Aufgabe ist auch deshalb interessant, weil sie hilft zu verstehen, womit wir persönlich das Gefühl von Ruhe und Sicherheit verbinden.

Ein weiteres großes Thema sind Beziehungen zu anderen Menschen. Man kann versuchen, sich selbst und Familienmitglieder, sich selbst und den Partner, Kollegen, Freunde oder die Beteiligten eines Konflikts zu zeichnen. Dabei können ganz einfache Details wichtig werden: Wer befindet sich wo, wie weit sind die Figuren voneinander entfernt, wer nimmt mehr Raum ein, zwischen wem verläuft eine Grenze und wer ist außerhalb des Bildes geblieben?

Stellen wir uns beispielsweise vor, wir zeichnen einen Konflikt am Arbeitsplatz und stellen uns selbst als kleine Figur in einer Ecke des Blattes dar, den Vorgesetzten dagegen riesig und fast den gesamten Raum einnehmend. Der Psychologe wird daraus nicht schließen, dass dies zwangsläufig Angst vor Autoritäten oder irgendein psychologisches Problem bedeutet. Wahrscheinlicher wird er einige Fragen stellen: „Warum haben Sie sich gerade in dieser Größe gezeichnet?“, „Wie erscheint Ihnen der Vorgesetzte auf dieser Zeichnung?“, „Was fühlen Sie, wenn Sie diese beiden Figuren betrachten?“, „Was würde sich verändern, wenn Ihre Figur größer wäre?“

Manchmal wird vorgeschlagen, nicht Menschen, sondern das Problem selbst darzustellen. So kann man die eigene Angst als Mauer zeichnen, eine schwierige Lebenssituation als Labyrinth und einen Konflikt als zwei Figuren, zwischen denen ein Seil gespannt ist. Anschließend kann man versuchen, die Zeichnung zu verändern: einen Ausgang aus dem Labyrinth hinzufügen, die Mauer niedriger machen, eine Tür einzeichnen, das Seil lockern oder etwas daneben zeichnen, das bei der Bewältigung der Situation hilft. Natürlich bedeutet das nicht, dass das reale Problem nach der Veränderung des Bildes auf magische Weise verschwindet. Doch diese Technik ermöglicht es, mit dem Bild der Situation zu experimentieren und Erklärungen für ihre Ursachen zu erwägen, die einem zuvor vielleicht gar nicht in den Sinn gekommen wären.

Auch eine völlig freie Arbeitsweise ist möglich, bei der vorher kein Thema festgelegt wird. Man kann mit einem Fleck, einer zufälligen Linie oder einer Farbe beginnen und beobachten, worin sich das Bild allmählich verwandelt. Manchmal entsteht beim Zeichnen ein erkennbares Motiv, manchmal bleibt das Bild abstrakt. Beides ist völlig normal. Der Wert kann gerade im Prozess selbst liegen — in der Möglichkeit, eine Zeit lang nicht nach der richtigen visuellen Beschreibung zu suchen und das Ergebnis nicht im Voraus kontrollieren zu wollen.

Eine weitere interessante Möglichkeit besteht darin, denselben Zustand zweimal zu zeichnen. Zuerst so, wie er sich jetzt anfühlt, und anschließend so, wie man ihn gern erleben würde. Auf der ersten Zeichnung stellt sich ein Mensch zum Beispiel eingeschlossen in einem kleinen dunklen Raum dar, auf der zweiten fügt er ein Fenster, eine Tür oder jemanden in seiner Nähe hinzu. Der Vergleich der beiden Bilder kann zum Anlass werden, darüber zu sprechen, was im Moment fehlt und welche Veränderungen man nicht nur auf dem Papier, sondern auch im wirklichen Leben gern sehen würde.

Man muss nicht nur mit Bleistiften arbeiten. Manche verwenden lieber Filzstifte mit klaren Linien, andere Farben, mit denen man Töne mischen und größere Flächen gestalten kann. Jemand möchte vielleicht Kohle, Pastell oder Wachsmalstifte verwenden. Sogar die Wahl des Materials kann Teil des Prozesses werden: Heute möchte man vielleicht alles sorgfältig mit einem dünnen Stift zeichnen, ein anderes Mal lieber einen breiten Pinsel nehmen und sich nicht um die Genauigkeit der Linien kümmern.

Es ist außerdem wichtig zu beachten, dass die Arbeit in der Regel nicht in dem Moment endet, in dem die Zeichnung fertig ist. Oft beginnt der interessanteste Teil erst danach. Der Psychologe lädt dazu ein, das Bild anzusehen und zu erzählen, was darauf geschieht, welche Details besonders wichtig erscheinen, was gefällt, was unangenehme Gefühle hervorruft und ob man etwas verändern möchte. Manchmal sind wir selbst überrascht von dem, was wir gezeichnet haben, oder entdecken einen Zusammenhang, an den wir zuvor nicht gedacht hatten.

Manchmal kann der Wunsch, die Zeichnung schön zu machen, sogar stören. Wenn wir ständig darüber nachdenken, ob eine Linie gerade geworden ist, die Farbe richtig gewählt wurde und anderen das Ergebnis gefallen wird, verschiebt sich die Aufmerksamkeit von den eigenen Erlebnissen auf die Qualität des Bildes. In der Kunsttherapie darf man ungleichmäßig, seltsam, unordentlich und ganz anders zeichnen, als man es für etwas tun würde, das „gezeigt werden soll“.

Das Ziel einer solchen Sitzung besteht nicht darin, mit einem schönen Bild nach Hause zu gehen. Viel wichtiger ist, ob es mithilfe der Zeichnung gelungen ist, etwas auszudrücken, wofür zuvor die Worte fehlten, Besonderheiten des eigenen Zustands wahrzunehmen oder eine vertraute Situation ein wenig von außen zu betrachten.

Es stellt sich eine naheliegende Frage: In welchen Situationen ist es sinnvoll, mit einer Zeichnung zu arbeiten, wenn man über Probleme doch einfach mit einem Psychologen sprechen kann? Tatsächlich schließt das eine das andere nicht aus. Eine Zeichnung kann sehr hilfreich sein, wenn ein Gespräch allein nicht ausreicht.

Stellen wir uns vor, dass uns schon seit längerer Zeit Angst begleitet. Wir fürchten ständig, dass etwas passieren könnte, spielen mögliche unangenehme Ereignisse immer wieder im Kopf durch und fühlen anhaltende Anspannung, können aber die Ursachen nicht verstehen und daher auch kaum versuchen, mit dem Problem umzugehen. Ein Gespräch hilft natürlich ebenfalls, das Geschehen zu verstehen, doch eine Zeichnung bietet einen zusätzlichen Zugang zu diesem Zustand. Manchmal ist es leichter, die Angst zunächst darzustellen und erst danach darüber zu sprechen.

Besonders hilfreich kann dieser Ansatz bei der Arbeit mit Kindern sein. Einem Kind fällt es oft schwer, die Gründe für seine Ängste, Kränkungen oder das Vermeiden bestimmter Lebenssituationen ausführlich zu beschreiben. Das muss nicht daran liegen, dass es nicht sprechen möchte: Ihm fehlen möglicherweise schlicht die Worte, um komplexe Erlebnisse zu beschreiben. Die Zeichnung wird dann zu einer weiteren Form der Kommunikation. Das bedeutet keineswegs, dass ein Psychologe nur das Bild ansehen muss und sofort alles versteht, was mit dem Kind geschieht. Doch das Bild kann nützliches Material für das anschließende Gespräch liefern, wichtige Fragen anregen und die Richtung der weiteren Arbeit bestimmen. Studien zur Kunsttherapie bei Kindern und Jugendlichen zeigen tatsächlich positive Ergebnisse, insbesondere bei Angst, wobei sich Wirksamkeit und Qualität der Evidenz zwischen den einzelnen Untersuchungen unterscheiden.

Eine Zeichnung kann auch hilfreich sein, wenn wir einen Verlust, einen schweren Konflikt, eine Trennung oder ein anderes Ereignis erleben, über das nur sehr schwer zu sprechen ist. Manchmal besteht das Problem nicht einmal darin, dass uns die Worte fehlen. Wir können leicht und präzise schildern, was geschehen ist, Daten nennen, den Ablauf der Ereignisse und die Handlungen anderer Menschen aufzählen und dabei dennoch die eigenen Gefühle nicht berühren. In diesem Fall kann ein visuelles Bild ermöglichen, das Erleben aus einer neuen Perspektive zu betrachten.

Manche Menschen sind es eher gewohnt, alles zu analysieren, als sich den eigenen Gefühlen zuzuwenden. Sie können die Ursachen eines Konflikts sehr ausführlich erklären, die Fehler aller Beteiligten beschreiben und darlegen, was anders hätte gemacht werden sollen. Es entsteht beinahe ein perfekter Analysebericht, während die eigenen Erlebnisse ausgeblendet bleiben. Die Aufforderung, dieselbe Situation zu zeichnen, kann zunächst seltsam oder sogar sinnlos erscheinen, doch gerade der Verzicht auf eine logische Erklärung kann auf etwas hinweisen, das in den gewohnten Überlegungen fehlt.

Dabei ist es wichtig, Kunsttherapie nicht zu einer universellen Methode zu machen, die angeblich in jeder Situation funktioniert und sämtliche psychologischen Probleme löst. Dem einen hilft das Zeichnen tatsächlich, Erlebnisse frei auszudrücken; dem anderen fällt das Sprechen leichter; einem dritten liegen Bewegung, Musik oder andere kreative Ausdrucksformen näher. Selbst wenn sich eine Methode in bestimmten Bereichen bewährt hat, bedeutet das nicht, dass sie zwangsläufig für jeden geeignet ist.

Es gibt noch einen weiteren wichtigen Punkt. Abends Bleistifte zu nehmen, eine halbe Stunde zu zeichnen und sich danach ruhiger zu fühlen, ist etwas Wunderbares, bedeutet aber noch nicht, dass wir mit uns selbst eine kunsttherapeutische Sitzung durchgeführt haben. Selbstständiges Zeichnen kann helfen, die Aufmerksamkeit umzulenken, Anspannung zu reduzieren oder einfach Freude an kreativer Arbeit zu erleben. Dafür braucht man keinen Psychologen.

Professionelle Kunsttherapie ist anders aufgebaut. Hier gibt es nicht nur die Zeichnung, sondern auch die Beziehung zwischen Klient und Fachperson, das Verständnis psychologischer Prozesse, die Auswahl geeigneter Methoden und die anschließende Besprechung dessen, was während der Arbeit geschehen ist. Deshalb betrachten Berufsorganisationen Kunsttherapie als einen Ansatz zur Verbesserung des psychischen Wohlbefindens, der kreativen Prozess, psychologische Theorie und psychotherapeutische Beziehung miteinander verbindet — und nicht einfach als Beschäftigung mit Zeichnen.

Man sollte auch nicht erwarten, dass eine Zeichnung unbedingt irgendein sorgfältig verborgenes Geheimnis unseres Unterbewusstseins enthüllt. Manchmal führt ein Bild tatsächlich unerwartet zu einem wichtigen Gedanken, manchmal bleibt es einfach eine Zeichnung, die nichts Besonderes offenbart. Auch das ist völlig normal. Das Ziel der Kunsttherapie besteht nicht darin, in jeder Farbe oder Linie unbedingt eine verborgene psychologische Bedeutung zu entdecken.

Vielleicht liegt gerade deshalb der Wert des Zeichnens in der Psychotherapie nicht darin, dass ein Psychologe darin etwas erkennen kann, was wir selbst nicht über uns wissen. Viel interessanter ist etwas anderes: Manchmal können wir dank einiger Linien, Farben und Bilder zum ersten Mal etwas vor uns sehen, das zuvor irgendwo in unserem Inneren existierte — als undeutliches Gefühl, Angst oder innere Anspannung. Und wenn uns das Erleben selbst verständlicher wird, fällt es deutlich leichter, mit einer Fachperson darüber zu sprechen.